Mike Oldfield: Por qué la tecnología no puede reemplazar el toque humano

 Fuente: https://www.decodedmagazine.com/mike-oldfield-why-technology-cant-replace-the-human-touch/                            Articulo de Damion Pell, 13 de Abril de 2015

Con la reciente declaración de Richard Branson sobre la importancia de 'Tubular Bells' para el crecimiento de Virgin en mente, junto con mis propios pensamientos sobre la importancia de un equipo de grabación tradicional, volvamos a 1972 y veamos el caso de Mike Oldfield y lo que se necesitó para que Tubular Bells sucediera. Mike había hecho una grabación de demostración de un Tubular Bells incipiente en su propio equipo de dos pistas en casa. Se lo pasó a las principales compañías discográficas del momento, pero sin muchas señales de interés. Sin embargo, llegó Tom Newman y le dio un poco de ánimo. Le prometió un trato con Virgin Records y las instalaciones de grabación de su estudio de campo. Una vez que Mike estuviera en The Manor, podría levantarse de la cama y bajar a la cocina, donde le prepararían lo que quisiera para el desayuno. Después de un paseo por los terrenos, podía decidir cuándo estaba listo para grabar, y el ingeniero y su asistente estarían listos para comenzar. El café y los sándwiches se traían al estudio en cualquier momento que él deseara, y si algo salía mal técnicamente, un ingeniero de mantenimiento residente (a menudo yo) siempre estaba cerca,

Si la inspiración fallaba o era necesario discutir ideas, el pub Jolly Boatman estaba a cuatro minutos en auto (o a veinte minutos a pie si se requería un poco de aire fresco). De vuelta en The Manor, el experimentado chef residente prepararía una cena completa, luego volvería al estudio hasta que el trabajo ya no fuera productivo. 

Con este tipo de apoyo se grabó un disco que se convirtió en un clásico, llegando a vender decenas de millones de copias. Sin ese apoyo, es posible que no lo hubiera hecho, pero esto plantea la pregunta de qué habría pasado si el mismo músico en ciernes hubiera llegado hoy con sus demos. Si los músicos tienen que hacer todas las grabaciones ellos mismos, o si un solo ingeniero está operando un sistema de grabación basado en computadora y tiene que lidiar con problemas de software o cambiar los menús antes de cada toma, puede volverse muy desmotivador. Sin embargo, hoy en día, las personas se inician en la grabación, rara vez tienen la oportunidad de experimentar los métodos antiguos.

En 1972, se hizo todo lo posible para que Mike pudiera concentrarse en su música en una atmósfera de calma y competencia. Hubo distracciones cuando fue necesario, pero también hubo profesionalismo, y puede ser un estímulo moral cuando tienes personas que te apoyan. Esto es importante porque rara vez es posible que los músicos alcancen alturas emocionales con la música si se sienten deprimidos.

Una cosa que me queda en la mente sobre trabajar con Mike Oldfield es cuántas tomas aparentemente invaluables me hizo borrar. Incluso si tuviéramos pistas de repuesto, trabajar con instalaciones limitadas le había enseñado el valor de la toma de decisiones. No quería distraerse del plato principal del trabajo dándose demasiadas opciones. Fue muy frustrante para mí en ese momento ver borrados tan buenos solos, pero luego vi la razón detrás de eso. Una vez estaba trabajando con el productor Bill Halverson en The Manor, en una grabación de Jack Bruce, y me sorprendió lo despiadado que fue al no tener nada dudoso en las pistas múltiples. Obligaba a los músicos a decidir si una toma era lo suficientemente buena o no. Si no estaban seguros, decía 'entonces obviamente no es lo suficientemente bueno, así que hazlo de nuevo'. Este tipo de decisiones duras se están volviendo cada vez más raras, ya que las personas tienen la capacidad casi infinita de almacenar cada intento. Sin embargo, también se están volviendo raros debido a la falta de disposición de las compañías discográficas a pagar por productores experimentados para guiar las sesiones.Sin embargo, cuando he estado defendiendo estas viejas costumbres en los últimos años, frecuentemente me han acusado de elitismo. Me han dicho que los sistemas de grabación modernos han permitido que una gran cantidad de personas graben su música que de otro modo no habrían podido hacerlo. Bien; tal vez mis actitudes se vean elitistas en estos tiempos modernos, pero Wimbledon es elitista; la Premier League es elitista; los Juegos Olímpicos son elitistas, y la buena música también puede ser elitista. ¡No hay nada de malo en ello! Comprar una raqueta de tenis, un par de botas de fútbol o unas zapatillas de correr, no son suficientes para dar derecho de entrada automático a las competiciones deportivas de primer nivel. La compra de algún equipo de grabación tampoco significa que el propietario necesariamente pueda hacer buena música.

EL PROBLEMA AHORA ES QUE LOS PROFESIONALES ESTÁN SIENDO INFRAVALORADOS POR LA GENTE DE NEGOCIOS, QUE VEN A LAS COMPUTADORAS COMO REEMPLAZOS MÁS BARATOS QUE HUMANOS TALENTOSOS, ¡Y NO LO SON!

Así como existen requisitos de precalificación para los Juegos Olímpicos, suele haber requisitos de pregrabación de buena maestría musical o grandes ideas antes de ingresar a los estudios. En general, es buena música que la gente quiere escuchar. Si está bien registrado es la guinda del pastel. Por el contrario, una grabación 'prefecto' de músicos y música menos buenos no tendrá el mismo efecto emocional en ellos. Las formas modernas apuntan más a realizar grabaciones de alta calidad a bajo costo que a inspirar a los músicos, pero es importante recordar que la perfección puede ser enemiga de lo bueno. La efervescencia puede volverse plana.

Volviendo al tema de la situación que Mike Oldfield encontró en The Manor, el estudio creó un escenario para actuar y el entorno proporcionó, si no una audiencia, al menos un sentido de valor. Se trataba de animar a los músicos y apoyar su moral de una manera que sacara a relucir su creatividad. El 'lujo' podría disparar su energía; tanto si eran conscientes de ello como si no. La mayoría de las compañías discográficas modernas parecen haber perdido esto de vista, ya que a menudo están dirigidas por administradores que piensan que los músicos son robots que pueden funcionar bajo demanda y operar su propio equipo.

Necesitamos urgentemente tener compañías discográficas más pequeñas de nuevo, que tengan algo de sentimiento por la música y que se vean a sí mismos como agricultores, plantando semillas y ayudándolas a crecer. Los músicos todavía necesitan ese tipo de apoyo, y es emocionante y participativo para todo el personal de una compañía discográfica cuando llega el éxito. El entusiasmo es contagioso. Solíamos intentar, como objetivo principal, hacer buena música, y esperábamos que el dinero siguiera, pero no hacíamos la música simplemente para ganar dinero. Era la diferencia entre ser profesional y ser mercenario. Estábamos orgullosos de lo que hicimos. El problema ahora es que los profesionales están siendo infravalorados por la gente de negocios, que ven a las computadoras como reemplazos más baratos para humanos talentosos, ¡y no lo son! Las actitudes mercenarias y el arte no se mezclan bien y, sin embargo, el gran arte puede ser muy valioso. En cuanto a Mike Oldfield, sí, más tarde tuvo sistemas de grabación de posibilidades infinitas, pero también retuvo la disciplina de años de aprender a prescindir de ella y el entrenamiento obtenido al trabajar con el personal de grabación profesional de The Manor. De manera similar, ¡muchos de los mejores pilotos de Fórmula Uno comenzaron conduciendo karts! Saber cómo hacerlo con menos es casi imprescindible si vas a sacar el máximo partido de hacerlo con más. Pero después de perfeccionar sus habilidades, necesita a alguien que le proporcione los medios para desarrollar el talento hasta el límite. En el mundo de la música, ese solía ser el trabajo de las compañías discográficas, pero ¿cuántos artistas nuevos y talentosos, en estos días, obtienen el tipo de apoyo que, a su vez, apoyó el surgimiento del imperio Virgin? La tecnología no ha cambiado el hecho de que todavía somos humanos y todavía la necesitamos.

Entonces, ¿por qué Tubular Bells es un muro de sonido vanguardista de los 70 tan relevante para la música dance actual? Bueno, fue parte de un movimiento musical pequeño pero creciente que estaba empujando los límites en el muestreo, los sintetizadores y la música electrónica, fue un catalizador para la música new wave en los años 80 que generó la música electrónica tal como la conocemos hoy. Si no lo ha escuchado, encuéntrelo a continuación, reconocerá muchas muestras y técnicas de producción que todavía se usan hoy en día en la música de baile moderna.

'Tubular Bells': la obra maestra de Mike Oldfield cumple medio siglo

 Fuente : https://theobjective.com/cultura/2023-05-15/tubular-bells-mike-oldfield/

Guzmán Urrero

Publicado: 15/05/2023 • 03:30

En 1973 salió a la venta ‘Tubular Bells’, un álbum que cambió la historia del rock gracias a la inventiva de su creador, Mike Oldfield

Hace unos cuantos años, cada vez que un periodista lograba entrevistar a Mike Oldfield, él solía hacer esta advertencia: «No me vas a preguntar por qué hice Tubular Bells, ¿verdad?». Mencionar este disco al compositor británico, sobre todo cuando promovía nuevos proyectos, equivalía a tomar en vano el resto de su obra. Su actitud cambió en 1992, cuando el sello Warner le publicó la primera secuela de aquel mítico álbum, Tubular Bells II, y comprobó que sus seguidores no querían desentenderse de una saga musical que no dejó de ampliarse hasta 2003.

En paz consigo mismo y con su pasado, el Oldfield de los años 90 empezó a compartir detalles reveladores que más tarde reunió en la autobiografía Changeling (2007), donde hablaba sin tapujos de sus problemas familiares, sin los cuales no se entienden el abuso de ciertas drogas, su timidez enfermiza y unos ataques de pánico que solo apaciguaba en el estudio de grabación.

En realidad, Tubular Bells no marcó la cumbre de su carrera ‒ese mérito corresponde a otro maravilloso LP, Ommadawn (1975)‒, pero fue la demostración de que un perfecto desconocido podía revolucionar el panorama con un álbum minoritario y experimental. El éxito del disco, estimulado por la inclusión de uno de sus fragmentos en la película El exorcista, tuvo dos consecuencias: el afianzamiento de Oldfield como uno de los principales artífices del llamado rock progresivo y el despido fulminante de un buen puñado de A&R (es decir, los encargados de fichar e impulsar a los talentos que integran el catálogo de una discográfica). «Una vez ‒contaba Olfield en 2014‒ pasé media hora buscando en Google a los A&R que, cuando presenté Tubular Bells a los distintos sellos, me rechazaron pensando que yo era un loco de atar. No pude encontrar a ninguno. Imagino que cuando el disco llegó al número uno, los echaron».

En realidad, el rock progresivo ya era una corriente firme cuando Tubular Bells salió al mercado. Acusada a veces de autocomplaciente, esta modalidad musical articulaba distintas influencias: los collages orquestales, inspirados en las suites de la música clásica, los fraseos y ritmos del folk más bucólico, el jazz fusión espoleado por Miles Davis, la psicodelia, el vanguardismo electrónico y una vena literaria que iba desde la ciencia ficción hasta las fantasías de Tolkien. Para los recién llegados, ahí van tres vinilos imprescindibles para entender sus orígenes: In the Court of the Crimson King (1969) de King Crimson, Third (1970) de The Soft Machine, e In the Land of Grey and Pink (1971), de Caravan.

A pesar del talento que solían mostrar los instrumentistas de esta tendencia, pocos grupos estuvieron a la altura de sus pretensiones. Algunos, desde luego, alcanzaron la gloria. Así, cuando Oldfield emprendió la tarea de grabar su disco, ya causaban sensación álbumes como Foxtrot (1972), de Genesis, Thick as a Brick (1972), de Jethro Tull, Close to the Edge (1972), de Yes, y Octopus (1972), de Gentle Giant. Es más, el lanzamiento de Tubular Bells coincidió con el de otra catedral del rock progresivo, The Dark Side of the Moon (1973) de Pink Floyd.

Tubular Bells resume lo que fue Oldfield antes de cortarse la melena y convertirse en una estrella pop, capaz de facturar éxitos como «Moonlight Shadow» o «Guilty». En esa primera encarnación de Mike nos encontramos con un niño prodigio, multiinstrumentista, que había alcanzado la mayoría de edad en la banda de Kevin Ayers, The Whole World.

Con la ambición de quien anhela un control creativo absoluto, Oldfield se preguntó: «¿Y ahora qué?». La respuesta fue, por un lado, su distanciamiento de The Whole World, y por otro, un proyecto anticomercial: cincuenta minutos de paisajes sonoros, riffs de guitarra y variaciones cíclicas, registrados en el magnetofón Bang & Olufsen que le prestó Ayers.

A nadie se le hubiera pasado por la cabeza que aquello pudiera arrasar en las listas teniendo en cuenta quiénes eran los referentes de su autor: «Yo solía escuchar a compositores clásicos, como Ravel, Bartók o Stravinsky ‒confesaba Oldfield en 2014‒, y asimismo, a vanguardistas como Hans-Joachim Roedelius… Pero también podían atraerme Stevie Wonder o Led Zeppelin».

Oldfield encontró un modo bastante original de componer a través de este consumo omnívoro de melodías. Sin ir más lejos, Ravel, sobre todo si pensamos en su Bolero, se conecta bien con la naturaleza acumulativa e impresionista de Tubular Bells. «La clave de este disco radicaba en sucesivos bucles de notas ‒escribe Chris Brook‒, interpretados por el propio músico en solitario, con toda una variedad de instrumentos. La obra culminaba en un grandioso clímax emocional, puntuado por la narración de un maestro de ceremonias, Vivian Stanshall, miembro del grupo The Bonzo Dog Doo-Dah Band».

Antes de lanzar este LP, nuestro músico parecía el típico artista superdotado y lleno de rarezas. Otra forma de verlo es que el Oldfield de aquellos días sintetiza el espíritu de los 70: correrías estupefacientes, mente abierta y una independencia digna de un cantautor bohemio. Dicho así, podría aplicarse a uno de tantos hippies de la época. Por suerte, Mike descubrió al que sería su ángel de la guarda, el empresario Richard Branson.

El joven músico había visto de cerca la miseria, pero de pronto, como en una novela de Dickens, se vio arrastrado por este personaje decidido y seductor, que ya había fundado un par de empresas a los 15 años. A decir verdad, quien mejor supo entender a Branson fue el director de su escuela: «Una de dos, Richard ‒le dijo en su despacho‒, siendo como eres, o acabas en la cárcel o te conviertes millonario».

En 1972, el emprendedor lanzó el sello Virgin Records. «Después de abrir nuestra primera tienda de discos Virgin en Londres ‒escribe Branson en un artículo autobiográfico‒, reunimos algo de dinero y compramos una casa de campo en ruinas. La convertimos en un estudio de grabación llamado The Manor. Un día, un ingeniero de The Manor me llamó y me dijo que había escuchado una increíble ‘demo’ de un adolescente llamado Mike Oldfield».

Este productor, Tom Newman, aliado con su colega Simon Heyworth, puede considerarse el promotor definitivo de Tubular Bells. «La madre de Mike era alcohólica ‒continúa el propietario de Virgin‒, y cuando él tenía 14 o 15 años, se encerraba en el desván y componía. Él mismo tocaba todos los instrumentos. Era un genio absoluto. Cuando oí la maqueta, supe que el mundo también necesitaba escuchar aquello. Acudimos a todas las grandes discográficas y Mike encajó un rechazo tras otro. Fue entonces cuando decidimos poner en marcha nuestro propio sello para sacar el álbum».

Newman y Heyworth tenían una mentalidad generosa, lo cual permitió a Oldfield experimentar y ajustar su música a las necesidades de cada instrumento. Tras un minucioso proceso de grabación, completado entre noviembre de 1972 y abril de 1973, el producto final de aquellas sesiones llegó a las tiendas el 25 de mayo de 1973.

Aunque la relación de Branson con su estrella pasó por etapas de abierta hostilidad, hoy él mismo reconoce que aquel disco fue imprescindible para fundar su imperio: «Tubular Bells siempre será una parte especial de nuestra historia. En homenaje a los inicios de la marca, llamamos a uno de nuestros aviones ‘Virgin Tubular Belle’ y nuestra compañía de lanzamiento de satélites, Virgin Orbit, llamó a su primera misión [en enero de 2021] Tubular Bells, Part I».

Gracias a su síntesis de estilos, pegadiza y novedosa, el ejemplo de Tubular Bells inspiró a una extraordinaria nómina de talentos. Casi todos pasaron a engrosar las filas del rock progresivo y de una de sus filiales más olvidables: la música new age. Transformado en compositor de culto en países como Alemania y España, Oldfield siguió indagando en nuevos territorios, desde el folk celta al chill out. Pero con independencia de los muchos aciertos que obtuvo en su carrera posterior, todos seguiremos identificándole con Tubular Bells. Medio siglo después, nadie duda que tiene bien merecidas las rentas que aún le proporciona ese disco valiente y descomunal, convertido ya en una referencia arquetípica del rock de los 70.