Mike Oldfield sobre Return To Ommadawn en su Página Web

 Fuente: https://mikeoldfieldofficial.com/about/

En 1975, Mike Oldfield debería haber estado en la cima del mundo. Pero entre bastidores estaba sufriendo. El álbum debut de Mike, 'Tubular Bells', fue un éxito de ventas multimillonario aclamado, y su sucesor, 'Hergest Ridge', también se vendió prodigiosamente, a pesar de una reacción crítica que Mike tomó muy en serio. Más ecléctico que nunca, con los tambores africanos de Jabula, el gaitero de The Chieftains Paddy Moloney y mucho más. Su tercer álbum 'Ommadawn' fue grabado en el nuevo estudio casero de Mike en las fronteras de Gales debido a las dificultades técnicas, el estrés personal de la industria. demandas y fama no deseada, y luego la repentina muerte de su madre Maureen. Profundamente reflexivo pero también alegre, 'Ommadawn' fue otro álbum de gran éxito, completando lo que se ha convertido en la trinidad de piezas musicales más cercanas al corazón de su creador, y también al de sus fans.

Cuatro décadas después, Mike descubrió que los problemas de la vida se repetían. En 2012, estaba encantado de que le pidieran que reorganizara algunas de sus composiciones más queridas para la banda sonora de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, tal como la ideó Danny Boyle. Visualmente y musicalmente, el evento fue un gran éxito mundial, y también un éxito personal para Mike. “La ceremonia de los Juegos Olímpicos fue tan importante, lo que me dio tal sensación de validación de que la música que hice en los años 70 era buena, que solo había un camino por recorrer. “Los últimos cuatro años han sido malos para mí: una larga batalla legal; mi hijo Dougal murió [a los 33 años por causas naturales]; mi padre murió.". Pero de la tragedia y la lucha, una vez más nace una música hermosa: 'Return To Ommadawn'. “Mirando las redes sociales, los primeros tres álbumes 40 años después son los favoritos de todos, y Ommadawn más que Tubular Bells incluso. Creo que es porque es una pieza musical genuina más que una producción: manos, dedos, uñas. No tenía un objetivo; no intentaba lograr nada ni complacer a nadie. Fue hacer música espontánea, llena de vida. 

“El Ommadawn original fue un éxito tal que me presionaron para seguir haciendo discos, y me encontré haciendo música que realmente no era yo. Fue un poco forzado. Me perdí un poco. Hacer Return To Ommadawn es como volver a mi verdadero yo. “Ha pasado mucho tiempo desde que hice un álbum acústico basado en instrumentos de cuerda. Todavía podía tocar todos esos instrumentos, y pensé, ¿por qué no hacer otro álbum como ese, algo parecido a Ommadawn? Así que lancé la idea e incluso el título en los sitios de fans de Internet y la demanda fue abrumadora. Eso ayudó a consolidarlo en mi mente como algo que me gustaría hacer. “Lo primero que hice fue reconstruir los instrumentos originales que tocaba en Ommadawn, comenzando con el bodhrán que aprendí a tocar en los años 70, y luego la mandolina. Luego obtuve una maravillosa guitarra hecha a mano que presenta mucho, luego una guitarra flamenca. Si bien Ommadawn tenía una grabadora, no puedo tocarla, por lo que en su lugar tenía silbidos en diferentes tonos. Toqué una guitarra eléctrica Gibson SG en el álbum original y obtuve una nueva, pero después de probar montones de plug-ins, solo pude volver a obtener casi el mismo sonido tocando a través de un amplificador acústico Boogie. Y toqué el bajo acústico y un ukelele, que me encanta, y la batería africana yo mismo, y un arpa celta. Me resulta muy fácil tocar estas cosas, no correctamente, por supuesto, pero lo suficiente. “En cuanto a los teclados, viviendo en las Bahamas no pude conseguir un Mellotron real, una cosa masiva, ni un sintetizador de cuerdas Solina, ni los órganos, un Vox Continental y Farfisa Professional. Afortunadamente, la gente ha recreado versiones de realidad virtual de todas estas cosas como complementos, incluso el Clavioline, el instrumento principal en Telstar de The Tornados, uno de los primeros sencillos que compré. Y tenía que tener un glockenspiel de verdad.

“Estoy desanimado por una pista de clic electrónica, así que para ajustar el tempo obtuve un metrónomo de cuerda antiguo que grabé en un micrófono. Algunas secciones no quería una pista de clic en absoluto, así que las reproduje gratis para que se aceleren y disminuyan. No hay ninguna secuencia en él. Al mismo tiempo, solo en los últimos tres o cuatro años el proceso de grabación en un disco duro en lugar de en una cinta o en un disco realmente se puso a la altura, es confiable y suena bien. En mi estudio tengo una gran pantalla 4K de alta definición, lo que significa que puedo obtener una gran pieza de trabajo en la pantalla de una sola vez: el panorama completo en lugar de muchos pequeños detalles. Cuando haces un álbum, utilizas todas las herramientas disponibles. Pensé que debería haber algunas pequeñas cosas del álbum original allí, así que tomé algunas partes vocales del Ommadawn original, las corté en pedazos, los efectos de sonido los trataron, los invirtió y los volví a editar, y gradualmente durante una tarde un nuevo La melodía apareció con un extraño sonido de otro mundo.

“Incluso la obra de arte encajó a la perfección cuando, después de un maratón de atracones de Game Of Thrones, le sugerí a la compañía discográfica que hiciera algo épico en la nieve. Hicieron una hermosa portada. El álbum se publica en vinilo con una funda adecuada que se saca y se juega con ceremonia, como un Rolls Royce antiguo restaurado que sale del garaje con su tablero de nogal y con olor a aceite. Desde el metrónomo en adelante, es una experiencia hecha a mano. “Ese tipo de música soy yo, en lugar de mucho de lo que vino después cuando traté de encajar con la música que me rodeaba. No me tomo tan en serio como solía hacerlo, y grabarlo fue una experiencia muy fácil y agradable. “Pero soy muy afortunado de poder liberar las emociones en la música. No es un tipo que toca la guitarra con las piernas colgando, feliz como Larry con la vida. Esta música está sobrealimentada emocionalmente. Las circunstancias de la vida pueden darle a tu música profundidad emocional y poder, como lo hizo en los años 70. Y ahora ha sucedido algo similar, como combustible para el fuego creativo. Pero, ¿quién ha oído hablar de alguien feliz y contento creando algo realmente bueno? No funciona. Tienes que sufrir por tu trabajo. Soy muy afortunado de tener alguna forma de expresarlo en lugar de reprimirlo ".

Nacido en Reading, hijo de un médico de familia y una enfermera, y hermano menor de Terry y Sally, el joven Mike se sumergió en la música. Coincidiendo con mudarse a Harold Wood en Essex, a la edad de 13 años también estaba saliendo de una fase de Sombras y siguiendo precozmente en la punta de los dedos a la gran generación de guitarristas británicos, su hermana metiendo a Mike en el folk, “una cosa de moda entonces. Solía ​​cantar en esos días y me uní a un par de dúos diferentes en Reading; solíamos hacer canciones rebeldes irlandesas, y todos se unían al coro, era genial ". Aunque acosada por el pánico escénico - "En mi lugar de guitarra solista en los clubes de folk, mi rodilla temblaba, temblaba tanto que la guitarra se movía arriba y abajo, y no tenía ruido" - había decidido seguir una carrera en la música, estableciendo contactos a través de la vieja amiga de lectura de su hermana, Marianne Faithfull, para conocer a su novio Mick Jagger: “Encantador más allá de toda creencia. Un hombre encantador, encantador ". Al salir de la escuela a los 15 años, Mike grabó un álbum con su hermana, luego pasó por una banda de rock, Barefoot, con su hermano Terry antes de encontrar su camino cuando en marzo de 1970, Mike se unió a la nueva banda de la leyenda de Soft Machine Kevin Ayers, Whole World, en bajo (un nuevo instrumento para él). Presentado por un compañero de la banda al álbum Rainbow In Curved Air del serialista estadounidense Terry Riley, Mike comenzó a trabajar en sus propias ideas musicales. Inspirado aún más por la música de Bach, Sibelius y la orquesta de jazz-rock Centipede, Mike comenzó a grabar sus ideas en una grabadora de dos pistas con su propio sistema de notación musical hecho en casa. Fate sonrió cuando se encontró en Shipton Manor cerca de Oxford, que estaba siendo convertido en un estudio de grabación residencial por amigos de su dueño, la joven tienda de discos Virgin y fundador de pedidos por correo, Richard Branson; escucharon su música y así Mike se convirtió en el primer artista en hacer un álbum para el sello Virgin Records. Ese álbum, lanzado en 1973 con gran éxito de crítica y ventas de culto antes de convertirse en un comercial, vendiendo 17 millones de copias hasta la fecha, un éxito de taquilla gracias en parte a su uso en la banda sonora de la película El exorcista, fue 'Tubular Bells'.

Con 'Hergest Ridge' y 'Ommadawn' después de dos años, Mike había creado una trinidad perdurable de álbumes clásicos que se superponían al rock y la música clásica y, antes de que se acuñaran los términos, la new age y la world music. Estos álbumes siguen siendo las declaraciones musicales que Mike siente que son más verdaderas para él, y ha vuelto a visitar 'Tubular Bells' dos veces como secuelas y una regrabación. También ha disfrutado de una prolífica carrera discográfica lejos de piezas musicales de larga duración como compositor de la banda sonora de la película clásica de 1984 'The Killing Fields' y creador de singles de éxito tan queridos como el clásico navideño 'In Dulci Jubilo' y 'Moonlight Shadow'. , además de varios álbumes exitosos de canciones que incluyen 'Man On The Rocks'. En 2008, Mike lanzó su primer álbum clásico, el exitoso 'Music Of The Spheres', y también ha creado música para juegos de computadora basados ​​en la realidad virtual.

Qué pasó cuando Luke Spiller de The Struts trabajó con Mike Oldfield

Fuente:  https://www.loudersound.com/features/luke-spiller-mike-oldfield-man-on-the-rocks?fbclid=IwY2xjawJlsNlleHRuA2FlbQIxMQABHs3uZoZIu6V_Eicre6mhmvuLfBETpC7pQ9uVwetTvY_ihhDjhR6YTLJrX6nV_aem_DzX5nbIAgQ9-hH9puD8CCQ&sfnsn=scwspmo 

Julian Marszalek.....Editor de reseñas de The Blues Magazine

Luke Spiller y Mike Oldfield colaboraron en el álbum de 2014 Man On The Rocks, lo que le dio al cantante de Struts una nueva apreciación por la mente maestra de Tubular Bells.

“Tiene dos facetas. Era totalmente ajeno a mí… Aprendí muchas cosas sobre mi voz y cómo usarla”

En 2014, Mike Oldfield lanzó Man On The Rocks, que incluía una colección de canciones vocales en lugar de una serie de piezas instrumentales. Luke Spiller , de The Struts , fue el encargado de crear las pistas vocales; y el resultado, como declaró a Prog en 2025, cambió su carrera. Mi conocimiento inicial de Mike Oldfield se habría limitado a Tubular Bells como banda sonora de El Exorcista ; no até cabos hasta mucho después. Pero empecé a interesarme de verdad cuando me propusieron trabajar con él en Man On The Rocks de 2014. Tiene dos facetas: su lado instrumental más profundo, en el que se convierte en una especie de compositor de rock clásico; y, por último, las canciones en las que aparece un vocalista. Siendo hijo de un predicador, El Exorcista era considerado algo en lo que uno no se atrevería a meterse de puntillas. Tubular Bells es una pieza musical magnífica, pero también tiene algo diabólico que te atrapa y te hace querer ver hasta dónde llega esta madriguera. Cumple con todo lo que una buena banda sonora de película debe cumplir.

Tubular Bells lo representó en su momento más ambicioso. Tenía todo que perder y tenía que demostrar su valía, ¡y lo hizo como unipersonal! No había nadie más en todo el disco. Creo que hay una diferencia cuando un artista puede hacerlo todo él mismo.

Traer a docenas de músicos adicionales está muy bien, pero hay algo realmente especial en cuando alguien se sienta y se entrega a algo con sangre, sudor y lágrimas, y lo lleva hasta el final. No podría haber sido más único y auténtico.

Hay momentos en la vida en los que pasas por una experiencia y sales de ella habiendo aprendido mucho. Hacer "Man On The Rocks" fue una de las mías. Me resultó totalmente extraño escuchar su voz de guía, que, en general, era bastante buena. Me sorprendió mucho.

Luego están las letras de Mike; es un letrista muy interesante y bastante subestimado. Es muy profundo. Trabajar con él y el coproductor Stephen Lipson fue un proceso realmente interesante. Aprendí mucho sobre mi voz y cómo usarla de diferentes maneras, lo cual benefició mis futuras grabaciones.

“Sentí un profundo aprecio por todo lo que hizo”.

Tubular Bells, ¿como era la grabadora de la maqueta grabada en 1971?

 Fuente: Datos recopiladaos de Blogs.

En 1971, Kevin Ayers y los miembros de su banda, The Whole Word, compartian un apartamento en el barrio de Tottenham, en Londres. Pero un dia, Kevin comunica a todos, que disuelve la banda, y que deja de vivir en el apartamento. De alguna manera, Mike Oldfield logra seguir alli un tiempo, y con una grabadora de bovina prestada por Kevin, decide probar a grabar la música que tenia en su cabeza, ya que no sabia plasmarla en partitura. 

El aparato grabador, de marca Bang & Olufsen Beocord de 1/4 de pulgada, fué manipulado de manera ingeniosa por Mike Oldfield, con la ayuda de un destornillador desmontó la tapa que protegia el cabezal de grabación y borrado, y con pequeños trozos de cartón situados entre la cinta de la bovina y el cabezal de borrado, le permitió grabar varias pistas, sin borrar lo anteriormente grabado. Este método de registro le permitió construir una pieza de música capa sobre capa de grabación de un instrumento individual a la vez.

(Este es el modelo que se cree utilizó Mike para grabar la maqueta)

Utilizó una guitarra Fender Telecaster que habia pertenecido a Marc Bolan, lider de Tyranosaurios Rex (T Rex), un pequeño teclado Farfisa prestado por David Bedford, un pequeño xilofon de juguete, y una aspiradora de limpieza doméstica.

El resultado de aquella precaria grabación ya la conocemos muy bien, pero de la grabadora solo se saben algunos datos, marca y modelo, pero no hay imágenes que garanticen como era esa grabadora. Me he atrevido a investigar un poco, y la cosa pudiera ir por la máquina que muestro en las imágenes, pero sin seguridad de que la utilizada fuera como la que acompaña este texto. 

                                                                              Foto 1

Foto 2

                                                              Folleto descriptivo publicitario

Como escribo en el texto, esto es solo mi idea de como pudiera ser aquella grabadora que permitió que durante mas de 50 años hayamos disfrutado de una de las mejores obras musicales salidas de la mente de un genio, llamado Mike Oldfield.

No seais muy crueles con vuestras criticas, y si sabeis mas información ó algún dato mas, se podria añadir aqui. 

Live Then & Now '99- San Javier, Murcia: DE COMO LAS COSAS SUCEDEN SIN PLANEARLAS

Fuente: Fanzine Orabidoo Nº 18, Septiembre de 1999.

Texto y fotos de Concha y Alicia Monerri (Gracias, Concha, por el permiso para compartirlo).

Antecedente.... Un grupo de seguidores Oldfield se reunen para presenciar la actuación de Mike y su Banda en San Javier. Unos entran en el lugar de la actuación para poder ver a Mike y sus músicos, pero Concha y Alicia deciden quedarse en la piscina pública anexa al Polideportivo....

Y ahí viene lo del titular, que también podría titularse....Cuando la montaña viene a ti.

Habiamos ido a San Javier (Murcia) al concierto que Mike Oldfield ofreció el 3 de Julio de 1999. Mi hermana, mi novio y yo, esperábamos allí a medíodía (bajo un sol de justicia y rodeados de plantaciones de melones), a "los reporteros dicharareros" que venían de Zaragoza (José Cantos y Jorge Andrés). También estábamos citados con otros tres sujetos procedentes de Alicante. Ante nuestra desesperación por el calor reinante y la impuntualidad de "los caballeros" estuvimos a punto de dejarnos seducir por la vida cómoda en una casa que tenemos en una playa cercana. Pero, casualidades del destino, una increíble alucinación nos detuvo en seco, "Piscina Pública anexa al polideportivo". Ni que contar que nos faltaron piernas para entrar y acomodarnos los tres con la única toalla que teníamos.

Y milagrosamente, nuestras citas fueron llegando, asi que comimos un bocata en una cantina, rodeados de ávidos fans que no nos prestaban la menor atención. Después del café y debido al monotema de todas las conversaciones, nosotras volvimos a "ligar bronce" para sacarle algún provecho a aquel día, mientras ellos, con mucho morro y pases de prensa entraban en los ensayos e intentaban localizar al ídolo. Y de como las cosas suceden sin planearlas.....

Al atardecer disfrutamos de un largo y cálido baño en la piscina pública donde estábamos, junto a Mike Oldfield, mientras yo lo inmortalizaba como fotógrafa.

Los músicos que compartían con él en el escenario, incluida Pepsi, estaban chapoteando ya largo rato y habían dejado preparada una toalla y una zapatillas de deporte cerca de la entrada al recinto, que era donde también estaban nuestros bártulos. 

Mike tan solo iba acompañado de una morena que no paró de hacerle carantoñas.

Una vez en el agua y después de haberse duchado obligatoriamente, nadó unos veinte minutos como un patito rodeado de la chiquílleria de la zona que intuían que ese guiri cuarentón de pelo rubio platino salía de lo común.

También se apuntó al grupo que lo rodeaba mi hermana Alicia, que quería salir en todas las fotos.

Usó un bañador de natación, y al rato desapareció con su toalla, su chica, sus zapatillas y una botella de agua mineral.....hasta la hora del concierto, celebrado con una puntualidad pasmosa.

Pero sabemos donde estuvo metido. 

Gira Live Then & Now '99 : San Javier, Murcia, 3 de Julio de 1999

Fuente: Texto de Jose Cantos Carnicer. (Gracias por permitirme publicar tu texto y fotos, Pepe)

Publicado en su fanzine Orabidoo Nº 18 Septiembre de 1999.

MUCHO MAS QUE UN CONCIERTO

Sábado, 3 de Julio de 1999. Oldfield se dispone a tocar en La Manga. ¿Se sacará algún as de la misma?. Unas 23.000 personas lo íbamos a comprobar esa calurosa tarde-noche que iba a estar plagada de emociones. Seis años después íbamos a ver a Mike Oldfield en vivo, y una vez conocido el repertorio, las ganas eran mayores que con aquel "TB II y poco mas". Jorge Andrés y yo nos pusimos en marcha, y seis horas de viaje no iban a ser obstáculo para disfrutar de un dia pleno de acontecimientos. Todo comenzó cuando, unas seis horas antes de la "actuación estrella", los allí reunidos (Jorge, dos Josés, Jesús, Xavi, Concha y Alicia, y yo), decidimos hacer buen uso de nuestras acreditaciones (gracias a Grupo 7) y entrar a aquel inmenso recinto. Aunque Concha y Alicia decidieron quedarse en la piscina Municipal, con muy buen criterio, por lo que sucedió después.¿Sabeis que fué lo primero que vimos al entrar?. 

Ni mas ni menos que Oldfield sin camiseta, fondón él, montando en bici y pasando por nuestro lado. Nuestro temor a una mala reacción evitó la toma de contacto, asi que continuamos andadura en busca de una sombra salvadora. Poco después comenzamos a ver pasar a los músicos. que se iban a una piscina pública situada allí al lado. Jorge habló con Carrie (muy timida), y con Pepsi (encantadora), y mas adelante con Bieito, Rosa, y las chicas de Faltriqueira, y casi sin darnos cuenta se hizo la hora de apertura de puertas, antes de lo cual tomamos las posiciones de privilegio, no sin antes habernos dejado los ahorros y mas de una muela de oro en el merchandising, donde conocimos al simpático argentino Fernando. Hay que hacer notar el distanciamento entre Oldfield y los músicos, éstos no tenian ningún problema en hablar con la gente, hacerse fotos, firmar discos e integrarse en la ciudad que visitaban, por ejemplo en sus playas. Mike también se dejó ver un poco, pero preferentemente en la vida nosturna de estas ciudades. En San Javier, sin embargo, hizo deporte en las instalaciones del recinto, e incluso acudió a la piscina pública, como antes lo hicieron los otros músicos. (nuestras amigas Concha y Alicia vaciaron un carrete entero a nuestra salud, como nos comentan en un próximo articulo).

Tras un grupo tan grande, musical y personalmente, como Luar Na Lubre, llegó, por fin, lo que estábamos esperando, y Mike, cual demiurgo guitarrero, nos concedió su gracia en forma de grandioso concierto en aquella espléndida noche murciana, "acariciando" las guitarras con mas de un humanizante fallo, balbuceando en castellano, y bordando temas como "Crystal Clear", "Ommadawn", "Summit Day" (mi favorito del concierto), o "Far above the clouds", aunque donde mas se volcara el público fuera en "Moonlight shadow" ó "Family man", que junto a "Shadow on the wall" formaron los tres temas vocales de la Gira, en los cuales Pepsi Demacque hizo una sobresaliente actuación, incluso eclipsando a Mike por momentos, mientras se dirigia al público señalando, bailando, pataleando, y en definitiva, "conectando" de verdad con nosotros, dando un toque de complicidad que le falta al "recto" Oldfield, inamovible en el centro del escenario.

Una vez acabado el concierto probamos suerte por la parte de atrás. Nuestros pases nos sirvieron una vez mas, y tan solo seis o siete personas tuvimos la paciencia necesaria para esperar a los músicos, que nos acabaron de firmar el programa, y al propio Oldfield, que con cara de pocos amigos (no le habia gustado nada el sonido), pasó por delante nuestro y se sentó directamente en el asiento del copiloto del Mercedes negro matricula de Valencia que alli se encontraba esperándole. Su asistente, Caroline Monk, le convenció para firmar unos pocos autógrafos, asi que todos conseguimos el trofeo escrito, pero no la ansiada entrevista. Personalmente, tuve la satisfacción de observar como Mike, mientras me firmaba el "Amarok", sostenia entre sus rodillas, un ejemplar de mi libro y del Orabidoo Nº 16, que José Abellán, colado en la organización, logró regalarle (mil gracias también a él). Se puede decir pues, que Oldfield forma parte de este humilde fanzine. Nos hicimos fotos, que, lamentablemente, nunca llegamos a ver, con los músicos, con Mike, y otras que Jorge hizo durante el camino.

Listo como él solo, Jorge decidió hacer migas con el chófer del Mercedes, gracias al cual supimos donde y a que hora pillarle al dia siguiente. Fué en el Hotel Meliá 7 Coronas, donde se repitió la escena (solo que ésta vez solo esperábamos Jorge, Jóse, y yo). Oldfield se metió en el coche, y Caroline pidió disculpas, diciendo lo cansado que estaba, pero, por lo menos esta vez, fué él mismo el que dijo, en castellano, "firmar". Eran las 12 de la mañana, y aún tenian que llegar a Úbeda y hacer los ensayos y pruebas de sonido.

La gran hospitalidad de nuestros amigos murcianos hizo posible un estupendo fin de semana, que veria su continuación al dia siguiente en Castro Urdiales. ¿Quien dijo que Mike estaba acabado?.

PHIL SPALDING : Como conocí a Mike Oldfield, y como grabamos Moonlight Shadow

Fuente: Una publicación de Phil Spalding en un Grupo en Facebook, donde pedia opinión sobre este fragmento que iba a publicar en un libro. Original en inglés y traducido con Translate.

Así que... Simon Phillips me llama un día, a finales de Enero de 1983, y me pregunta ...¿Estás libre mañana?... Sí, respondo ... ¿Te apetece venir a tocar el bajo en el estudio para Mike Oldfield?... Mi siguiente respuesta lo dijo todo ... ¿Es complicado?, pregunté, en primer lugar, completamente aterrorizado. Oigo a Simon preguntar a Mike, de fondo, si es complicado ... ¡Nooooooooo!, oigo decir a Mike, de fondo, riendo ... ¡Ok!, digo yo ... Simon entonces dijo ... 'Te recojo mañana en Albany St a las 8am' ... ¡Ocho de la mañana!. ¡Joder!, ¿Están locos?. Seguramente estaría con algún tipo de resaca. ¿Hablaba en serio?. ¡Si!. Mike, aprendí, era muy estricto en empezar temprano, normalmente a las 9 de la mañana. Esa conversación con Simon fue mi primera experiencia que me llevó al hombre que iba a cambiar mi vida de tantas maneras durante tantos años ... ja ja ... ¡¡¡y estaba aterrorizado!!!.

Mi primera preocupación, por ridícula que parezca ahora, era que iban a ser unos tipos muy rectos y aburridos, lo cual era una opinión extraída de mi minúsculo conocimiento de Mike y su música, y que no iba a poder fumar droga en la sesión. ¡Dios mío!, ¿qué iba a hacer?. Realmente no había hecho ningún tipo de sesión de grabación "directa" como emocionalmente directa, desde, bueno, no puedo recordar, pero probablemente desde demos o algo con mis bandas de formación a mediados de la década de 1970. Tocar "directamente", es decir, sin la influencia de nada que altere la mente, era algo que no hacía casi tanto como no grabar a las 9 de la mañana. Tuve que procesar y aceptar esta desafiante situación muy rápidamente, ya que tenía menos de un día para pensar en cómo iba a afrontar esta sesión y, por supuesto, aparte de mi multitud de miedos. Me di cuenta, intuitivamente, de que era una oportunidad que no se podía perder.

Me llevé tres bajos ese primer día, que creo que fue el 1 de febrero de 1983; el Steinberger sin cabeza que había comprado y empezado a usar en la última gira de Toyah que hice a finales del 82, el Fender Precission negro con mástil de arce que había usado desde los días de Original Mirrors, y el Fender Precission negro sin trastes con mástil de arce del 81 que tenía desde principios del 82 y que sólo había usado un poco en el álbum de Toyah, The Changeling. Hay una historia divertida sobre esto, el bajo sin trastes, que contaré mas adelante. Aquel primer día había un montón de músicos apiñados en la sala de control de Mike en su estudio en la casa de Denham. Mike, Rick Fenn, Tim Renwick, yo, Nigel Luby en la ingeniería, y también Jeremy, el asistente de Mike, flotando por ahí. Simon Phillips, con toda su batería, estaba metido en la habitación de baldosas de al lado, lo que no dejaba espacio para que nadie más estuviera en la habitación con él. Mike, en la primera impresión era, bueno, sólo Mike. Limpio, honesto, directo, centrado, a cargo de todo. Estaba bastante asustado, y probablemente, tratando de cubrirlo con bravuconería. Sin embargo, no se me escapó que grabar con estos tipos era una perspectiva seria, y, por ahora, iba a tener que comportarme. Una de las cosas en las que me fijé fue en un barril de cerveza Guinness en el estudio. (Mike había hecho algún tipo de publicidad para ellos, y fue patrocinado por Guinness durante un tiempo). Así que pensé, mmm... podría haber algunas posibilidades buenas aquí.

Estaba acostumbrado a usar el bajo Steinberger, así que insistí en usarlo. A Mike le gustaban los Fender, como a la mayoría de la gente cuando se trata de grabar un bajo, así que, pensándolo bien, parece extraño que no insistiera en que usara un Fender al principio. Pero, supongo, estábamos empezando una relación que iba a durar unos ocho años, y que iba a ser de naturaleza muy personal en muchos niveles.

Me gustaría decir que Mike cuidó mucho más nuestra relación que yo durante todo ese tiempo. Supongo que se podría decir que había un buen tipo tratando de salir de mí, ostensiblemente un joven enojado y confundido, y al mismo tiempo había un buen tipo tratando de salir de Mike, que era ostensiblemente un hombre realmente amable, considerado y tranquilo en una especie de estilo inglés a la antigua. Llámalo como quieras, con ironía, los polos opuestos se atraen, lo que sea. Pero, por alguna extraña razón, gracias a Dios, ¡me llevé bien con él!.

Más que nada, Mike me mostró que, como músico, estaba bien ser yo, es decir, ser yo mismo, y me gusta pensar que él podía, a pesar de mi aparente locura, sentir mi pasión por tocar, que venía de lo más profundo de mí. Desde ese primer día con él, pasando por los años posteriores de giras, discos, vacaciones, fiestas, amor, risas y tristeza, aprendí algo nuevo cada día que estuve con este hombre, aunque no lo supiera en ese momento. Mike me dio la validación como músico, y no creo que, a día de hoy, pueda tener o haya tenido nunca un aval más alto que el suyo, o un maestro mejor que él.

El primer día de grabación es un poco borroso ahora, excepto que recuerdo que tocamos el riff que ahora forma la parte de Crises, cuando Mike canta, 'Crises, Crises ... can't get away', una y otra vez habiendo hecho referencia, al principio de la sesión, a una grabación tomada de una prueba de sonido de un concierto de una grabación de consola de la última gira de Mike con su banda anterior. Debo decir que tuve problemas con este riff y que no podía tocarlo con precisión o claridad en ese momento, y que el bajo Steinberger no era lo suficientemente profundo o pesado para la música de Mike, tal y como yo la apreciaba. Dicho esto, todavía hay algo sobre la sensación de peligro y ansiedad que viene de un grupo de músicos que tocan juntos por primera vez, y Mike siempre te empujaba, a mí, a Rick, a Simon, a Tim, a quien sea. Mike te empujaba fuera de tu zona de confort, y por lo tanto, si no estabas demasiado asustado por todo ello, podías experimentar la liberación de hacer música de verdad desde lo más profundo de tu alma.

Así que pasé a trompicones la primera mañana, y la primera tarde en compañía de estos músicos tan estimados y serios, preguntándome cómo y cuándo iba a abordar el tema de liar un porro porque, por supuesto, llevaba mi alijo habitual, escondido con la esperanza de poder desollar un buen porro en algún momento. Después de las 6 de la tarde se abrió el bar, y las Guinness se sirvieron obedientemente, a los que querían una. Entonces repasamos la música que habíamos tocado antes, durante el día, habiendo tomado un par de cervezas, y tuve la sensación de que estos chicos podían y estaban dispuestos a la fiesta. No me di cuenta de que era un mero principiante. Pregunté a alguien si le apetecía un "cigarro", y creo que fueron Rick y Tim los que respondieron afirmativamente, sin pestañear. Tenía un increíble hachís negro afgano y un poco de hierba igualmente increíble que era de un increíble color verde lima. Así que, una vez obtenido el "permiso", me lié un porro, mezclando las dos cosas, y que podría haber colocado a todo el condado. Recuerdo que pensé que estos tipos debían tener bastante experiencia por ser mayores, y llevar más tiempo, así que lo cargué en consecuencia. Bueno, hasta el día de hoy, Rick Fenn se acuerda de aquel porro. Mike siguió con su Guinness y sus roll ups mientras nos emborrachábamos, y luego me fui, en algún momento de la noche, buscando coca con Jeremy. Jeremy y yo nos hicimos muy amigos desde el principio, ya que teníamos gustos similares relacionados con la perpetración de un estilo de vida de estrella de rock. Eso se convertiría en una característica de lo que llamábamos "El Club de los Chicos", salir a comer en buenos restaurantes, comprar y consumir cocaína, lo que nos permitía beber más alcohol, perseguir a las chicas de aquí a Tombuctú; pero más sobre eso después. Así terminó el primer día con Mike Oldfield, un día en el que empecé sintiéndome totalmente aterrorizado, y que terminó, bueno, igual que terminaron todos mis días por aquel entonces. Pero, me esperaba más "terror" en el segundo día.

El segundo día, creo que tomé un tren temprano, desde la estación de Marylebone, que estaba cerca de mí piso en Londres, hasta Denham, y alguien me recogió en la estación, creo que era Sally Cooper, la compañera de Mike en Denham. De todos modos llegué allí muy temprano y continuamos como el día anterior, repasando trozos de esto, y aquello, y ohhh, Rick Fenn no estaba allí en ese segundo día, y mí estado no era para razonar el por qué, así que no pensé mucho en ello. Así que nos abrimos paso a través del día y la siguiente parte que puedo recordar, una hora más o menos, es todo claro para mí. Mike dijo ... 'Ahora vamos a grabar un single'. Y ahora estoy pensando ... '¿Cómo sabe que va a ser un single?. ¿Tiene una bola de cristal o algo así?". Verás, hasta ahora, siempre había estado en bandas que grababan un montón de canciones para un álbum, y los singles, como tales, surgían de forma orgánica, y los trabajábamos en consecuencia. Nunca había escuchado a nadie decir de antemano que una determinada canción iba a ser definitivamente un single. Había hecho un par de sesiones con Toyah, concretamente 'Thunder In The Mountains' y 'Be Loud, Be Proud, Be Heard', que se hicieron específicamente como sesiones de SINGLE, pero nunca había experimentado esto en una sesión de álbum, bueno, en los OCHO álbumes completos que creo que había hecho hasta ese momento.

De todos modos, Mike entró en la sala de azulejos donde estaba la batería, llenando la sala por completo, y empezó a rebuscar en mis bajos y en el equipaje que había en un rincón, y luego volvió a la sala de control triunfante con el Fender Precision sin trastes en sus manos, diciéndome... "Puedes tocar esto en esta canción". En ese momento se me hundió el corazón y se me debió caer la sangre de la cara. En realidad, sólo había traído el bajo sin trastes para intentar "quedar bien"; nunca había pensado ni en un millón de años que me pediría que lo tocara y, además, aparte de una o dos canciones del álbum "The Changeling" que hice con Toyah, nunca lo había tocado profesionalmente, aparte de jugar con él en casa.¡asi que estaba aterrorizado (otra vez)!. Para aquellos que saben, o no, las notas en un bajo sin trastes se colocan de manera diferente a un bajo con trastes. Hay, en la mayoría de los bajos sin trastes, unos puntos en la parte superior del mástil, que son como una especie de guía, y aparecen allí en lugar de los trastes tercero, quinto, séptimo y duodécimo, es decir, las notas Sol, La, Si y Mi, subiendo por el mástil. La diferencia en la forma de tocarlo es que la nota se toca directamente en el punto exacto mientras que con los trastes se toca 'entre' los trastes. Así que estoy agachado sobre el bajo, en la habitación de azulejos, tocando notas de bajo para mí, acústicamente, y escuchando para comprobar que pienso que sé donde están las notas, y estaba en el terror mortal de lo que estaba a punto de suceder en mí, ja ja ja ... Lo creerás, o no, pero la secuencia de acordes que Mike comenzó a mostrarnos estaba toda basada en la clave de 'E', con acordes de paso de A, B y C. Gracias a Dios, todas las notas que tenía que tocar estaban todas en las partes punteadas del bajo... ¡me salvé!. Mientras miraba rígidamente el bajo, podía tocar las notas con precisión, golpear los puntos, y, lo que es más, hacer que al menos pareciera que podía tocar el bajo sin trastes. Llámalo Dios, suerte, coincidencia o lo que sea, era un pequeño alivio para empezar, pero aún así tenía que pasar la melodía.

Así que ahí estaba Simon, en la sala de azulejos, con su batería, Mike, con la guitarra acústica, Tim Renwick con la guitarra eléctrica, haciendo una especie de chirigotas con pequeños licks e inversiones en torno a la secuencia de acordes, como solía hacer Mark Knoplfler, y yo, con el bajo, esperando desesperadamente que no me descubrieran. No recuerdo cuántas veces tocamos la secuencia para ensayarla, pero fue sólo una o dos veces como mucho. Y luego Mike, quiso grabarla. Todo el mundo dijo... ¡bien, hagámoslo!. Entonces ese grupo de músicos tocó la pista de acompañamiento de "Moonlight Shadow", y fue la única vez que se grabó, y quiero decir, la única vez que tocamos esa canción mientras la máquina de cinta estaba funcionando. Es un puto milagro. Bueno, tal vez no sea así en retrospectiva, sólo la percepción de los sentimientos de Mike Oldfield, mucha fe, un poco de planificación tal vez, y también una especie de visión de futuro que poseen muy pocos seres humanos que hacen música. Aquella grabación me sirvió para establecer un principio que he intentado aplicar a mi forma de tocar desde entonces, y que ya tenía, pero que no podía articular. Hazlo en una o dos tomas, o, al menos, hazlo rápido si puedes mientras está fresco. Mi amigo, el productor Chris Thomas, dice exactamente lo mismo. Recuerdo perfectamente que Simon dijo en su momento, que quería volver a grabarlo inmediatamente, y que Mike se apresuró a acercarse a la máquina de cinta, sacó el carrete de la máquina de cinta y lo guardó en una caja. No quiso oír nada sobre volver a grabarlo,¡había conseguido lo que necesitaba y lo sabía!, ja ja ... La siguiente vez que escuché esa pista, se había convertido en una canción completa. La voz de Maggie estaba en ella, las guitarras eléctricas de Mike estaban en ella, (las de Tim no), las partes de cuerda también, (cuerdas Kurzweil, según mi conocimiento y memoria), y apenas podía creer que había tenido la suerte de formar parte de una grabación que se sentía y sonaba tan bien. De hecho, Mike me dijo después que había seguido mi línea de bajo con las cuerdas aquí y allá durante las estrofas. El hecho es que una vez que estábamos tocando y que había superado con seguridad la primera estrofa, me sentí un poco más confiado, y se puede oír que el bajo se vuelve un poco más atrevido y melódico a medida que avanza la canción. Todavía puedo escuchar pequeños barridos en el fretless con el que intento cubrirme para llegar a la siguiente nota bien. Creo que la cuestión es que lo que hacíamos juntos mientras grabábamos la pista de acompañamiento de esa canción era un poco alegre, un poco peligroso, un poco ansioso, incluso un poco perdido aquí y allá, quizás, pero increíblemente sincero, natural y profesional también. Mike captó algo mágico entre nosotros ese día, y lo utilizó para producir la canción clásica que todo el mundo conoce y ama hoy. Además, nos mantiene en el trébol. La mejor pieza de suerte o casualidad que me ha sucedido nunca.

En el momento de escribir este artículo, (julio de 2019), ya han pasado más de treinta y seis años desde que se hizo esa canción, y todavía no me canso de escucharla. La historia de cómo se grabó el tema básico, y mi pequeño papel en él, se ha convertido en una historia muy popular e importante durante mis clases y conferencias, porque contribuye en gran medida a demostrar mi propia sensación de que mis propios tipos de música favoritos y la mejor música a la que he contribuido personalmente nunca han sido trabajados o agonizados demasiado. Para mí, como músico, es una mezcla de muchas cosas diferentes, pero, si te conoces a ti mismo, y conoces tu instrumento, y tienes una idea clara de cómo vas a enfocar una pieza musical, se trata principalmente de la interpretación; eso es lo que comunica el mensaje al público, al que le va a gustar tanto la música que va a gastar su dinero para comprarla.

Creo que el rendimiento es lo que buscan, el rendimiento es lo que escuchan y el rendimiento es lo que quieren sentir. También acabé en 'Crises', el tema sinfónico principal, y eso es porque Mike se quedó con mis 'swoops', que toqué en la Steinberger antes de la sección vocal de 'Crises'. Otra ocasión en la que no sabía realmente lo que estaba haciendo, o lo que debía o podía hacer, pero Mike lo conservó, supongo, porque se sentía bien. No es particularmente musical, sino más bien mi tipo de "actitud" punky, y me llevó a la pista, por lo que estoy agradecido. También hice algunos coros en la versión extendida de "Shadow On The Wall" cuando Mike necesitaba una versión más larga y alternativa. Eso fue un gran éxito, porque cantar en la misma canción que Roger Chapman era algo muy importante para mí, y una casilla "marcada", ya que era un fan de Family desde que compré por primera vez "In My Own Time", en 1971. Hicimos esa sesión, los dos juntos, en algún momento de ese año, o incluso del siguiente. En los años siguientes grabé mucho con Mike, trabajando los dos juntos en el estudio, sin nadie más. Siempre fueron sesiones maravillosamente creativas porque él siempre me dejaba ir, y me animaba a explorar ideas, sentimientos, dar feedback, hacer comentarios constructivos. Podía trabajar muy eficazmente con él de forma individual. Por supuesto, él era siempre el Productor, pero yo siempre sentía que mi contribución era válida y reconocida, y, por encima de todo, ¡siempre era esencial que nos divirtiéramos mucho!.

Recuerdo cuando nos fuimos a hacer el programa austriaco "Banana", el programa en el que en el viaje de Baviera a Austria hicimos las famosas fotos de F*****G. Era la primera vez que veía a Roger Chapman desde el show de Crises en Wembley, y cuando se enteró de que había alguien más cantando en Shadow On The Wall no pareció muy impresionado. Aquí hay algo gracioso también. Cuando nos reunimos en el aeropuerto para ir a Munich, Roger le dio a Jeremy un recibo de 35 peniques que se había gastado en una taza de té mientras esperaba. Por dentro me moría de risa; nunca había visto a nadie dar un recibo como gasto por una cantidad tan insignificante, y esperar que le devolvieran el dinero. Creo que Jeremy se lo dio de su calderilla, pero no podía creer que alguien pudiera ser tan tacaño con el dinero. Dicho esto, a lo largo de los años he conocido a millonarios que chirrían al caminar, ¡están tan apretados!. Mike Oldfield nunca fue así; era una de las personas más generosas para las que he trabajado, o de las que he sido amigo... ¡¡¡Treinta y cinco peniques!.

Posteriormente, Mike me pidió que saliera de gira con él para apoyar el álbum "Crises" durante el verano de 1983. Recuerdo que Sally Cooper me llamó para preguntarme si estaba disponible para la gira. Posteriormente, fue la única vez en mi vida musical y en mi carrera que me quedé en casa aprendiendo y practicando partes durante las semanas previas a la Gira. Ahora me parece increíble, pero realmente me enderezó durante un tiempo, pero pronto dejé de hacerlo una vez que nos fuimos. Encontré un montón de "compañeros de juerga" en la gira de Crises, y la hierba, la coca y el alcohol fluyeron libremente entre algunos de nosotros. Pero esa primera sesión de dos días fue mi primera experiencia de trabajo musical con Mike, que luego me llevó a una montaña rusa que se extendió durante la mayor parte de los siguientes ocho años, más o menos. Hay un montón de buenas historias que contar sobre esa banda y todo el comportamiento que la rodeaba, que intentaré recordar lo mejor que pueda. Había gente alrededor de Mike que ya me conocía y había predicho que no duraría más de un día con él. Poco sabían ellos, o yo, que mi tiempo con él no había hecho más que empezar, y que iba a durar lo que duró, casi ocho años. Creo que es suficiente para mí decir ahora que llevo la influencia de Mike sobre mí en todo lo que hago musicalmente hasta el día de hoy. Rara vez pasa un día sin que piense en él, y en nuestro tiempo juntos. Y, por supuesto, Moonlight Shadow, está siempre en la radio Ja ja ja ... Enormes gracias y mucho amor para ti Michael ....

Mis mejores deseos, amor y bendiciones para todos. Phil S xXx

Terry Oldfield: Bautismo de Fuego (Queen Elizabeth Hall, 25 Junio de 1973)

Extracto del capítulo: Bautismo de Fuego, del libro "Only Now, The Terry Oldfield Story."

Estreno Tubular Bells . Actuación en vivo Queen Elizabeth Hall, 25 de junio de 1973

"Con Terry Oldfield a la flauta".... Estas fueron las palabras en la enorme cartelera afuera de la taquilla del Queen Elizabeth Hall la noche del concierto. Había sido el paciente trabajo del bromista insaciable, Richard Branson. Una broma que solo sirvió para ponerme un poco más de presión, como si la perspectiva de hacer un debut en vivo ya no me pusiera lo suficientemente nervioso. Afortunadamente, Richard había utilizado sus otras considerables habilidades empresariales para establecer la plataforma de lanzamiento perfecta para Tubular Bells esa noche, invitando a figuras de la industria de la música, empresarios, celebridades y músicos por igual. Entre la lista de invitados estaba Mick Jagger, que entró en el camerino para desearle lo mejor a Mike, mientras todos esperábamos para subir al escenario. Esto pareció darle a mi hermano un pequeño empujón de la confianza que tanto necesitaba ya que, en ese momento, parecía como si entrara en pánico en cualquier momento y se negara a salir de la Sala Verde. Y sabía exactamente cómo se sentía.

De repente, llegó la llamada para que subiéramos al escenario, y todos marchamos por el pasillo del teatro hacia el destino que nos esperaba. Mi corazón estaba latiendo. Solo puedo imaginar cómo se debe haber sentido Mike. David Bedford, que dirigía, además de actuar, empezó demasiado lento, lo que, por supuesto, marcó el ritmo del resto de la música, y tuve la impresión de que la música avanzaba penosamente en algunos lugares. Algunos de los instrumentos tampoco estaban bien afinados, y sabía que ambos factores preocuparían a Mike. Realmente me temía lo peor. Cuando toda la pieza de cuarenta minutos llegó a su conclusión, y los últimos compases de The Sailor's Hornpipe estaban sonando, tuve la sensación de que la audiencia podría estar aburrida, o que estarían menos que impresionados por una pieza musical tan inusual y extensa. Pero todos se pusieron de pie y aplaudieron ruidosamente. Algunos estaban vitoreando. Fue una reacción inesperada que sorprendió a la mayoría de nosotros y dejó atónito a Mike, quien luego dijo que estaba muy descontento con la actuación y pensó que lo iban a abuchear fuera del escenario, tal vez incluso bajo una lluvia de proyectiles que le lanzaria una descontenta audiencia. Pero siguieron vitoreando y aplaudiendo, y Mike se quedó allí, en silencio, estupefacto. Richard hizo algunos intentos de subirlo sobre sus hombros para poder llevarlo en alto y dar una rápida vuelta de honor alrededor del escenario, pero Mike se resistió, desesperado por alejarse de toda la atención enfocada. Con  Tubular Bells  ahora que había sido revelado con éxito en un concierto y lanzado como un álbum, mi hermano estaba desconcertado, estupefacto y aliviado. También estuvo a punto de volverse muy famoso.

Mike Oldfield: El Mensajero

 Fuente : https://www.innerviews.org/inner/oldfield.html

Copyright © 2013 Anil Prasad.

A lo largo de su carrera de 45 años, el compositor y multiinstrumentista británico Mike Oldfield se ha mantenido al margen, aunque forma parte de la cultura pop. Su carrera se ha dividido entre aventuras épicas musicales de formato largo y canciones de rock y pop accesibles pero eclécticas. Obras que incluyen Tubular Bells, Ommadawn, Incantations, Platinum y Amarok se encuentran entre las obras instrumentales más expansivas jamás grabadas. La amplitud y profundidad de las influencias y la instrumentación incorporada en los álbumes no tiene precedentes. Esos álbumes encuentran a Oldfield combinando a la perfección, rock, folk, música clásica, mundial, ambiental y electrónica, como si fueran elementos de un solo género.

Incluso con sus enfoques diversos e innovadores, muchos de esos álbumes épicos conectaron con el público general. Varios son éxitos de ventas, sobre todo su trabajo debut de 1973, Tubular Bells, que ha vendido más de 17 millones de copias en todo el mundo. El álbum, lanzado en Virgin Records, entonces incipiente de Richard Branson, catapultó a Oldfield al estrellato y produjo la primera gran ganancia para el sello. Las ganancias del álbum sirvieron como el capital inicial que financió lo que se convirtió en el multimillonario Virgin Group de Branson, ahora compuesto por más de 400 compañías.

Como creador de melodías, Oldfield también tiene éxito, con una serie de álbumes centrados en canciones que incluyen Five Miles Out, Crises, Islands y Heaven's Open en su haber. Algunos han generado sencillos de gran éxito, como "Moonlight Shadow", "Family Man" y "Shadow on the Wall". Incluso dentro del ámbito del pop, Oldfield a menudo se las arregla para infundir arreglos ingeniosos e instrumentación única en sus piezas.

Tubular Beats, el último lanzamiento de Oldfield, une múltiples mundos. Es un álbum de remixes que se adentra en el territorio del club y el trance, creado en colaboración con DJ Torsten Stenzel. El disco reinventa varios de los temas e instrumentales más conocidos de Oldfield. El álbum incorpora pasajes y muestras derivadas de cintas maestras de su catálogo anterior. Está en posesión de muchos de ellos como parte de un extenso proyecto de reedición. Este septiembre, Oldfield lanza versiones ampliadas de Crisis y Five Miles Out. También completó un nuevo álbum de rock producido por Steve Lipson, que saldrá a fines de 2013, con el bajista Leland Sklar, el baterista John Robinson y un coro de gospel.

Innerviews comenzó su conversación con Oldfield, con sede en Nassau, discutiendo su aparición histórica en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Interpretó "Tubular Bells" e "In Dulci Jubilo" para 80.000 personas en el Estadio Olímpico y una audiencia mundial de mil millones.

¿Qué significó para ti actuar en los Juegos Olímpicos?

Fue como se sintió Sir Edmund Hillary cuando llegó a la cima del Monte Everest. Fue una validación. fue maravilloso El evento sacó lo mejor de toda la nación. Quería hacer un buen trabajo. Los británicos son increíblemente talentosos cuando quieren serlo, pero se vuelven miserables y malhumorados. Creo que tiene mucho que ver con el clima, porque llueve mucho. [Risas] Fue absolutamente la elección correcta elegir a Danny Boyle como director, porque es un genio con mucho talento y una buena persona para trabajar. Te hace sentir seguro y bien contigo mismo. Todos querían darle lo mejor de sí. Ver mi antiguo país en su mejor momento con toda la ciudad de Londres viva fue maravilloso. Había estado frío y lluvioso durante semanas antes del evento y luego salió el sol. La gente estaba en las calles y en las ferias callejeras. Fue grandioso. Había una gran sensación de emoción. Todos estábamos preocupados de que iba a llover en la noche ya que había algunas nubes, pero terminaron siendo solo algunos puntos de lluvia en el espectáculo. Otra razón por la que fue genial es porque tenía a mi hijo Luke en el escenario, que también es músico. Creo que la gente se mostró escéptica ante las actuaciones y esperaba un desastre. En cambio, obtuvieron un triunfo mundial. ¿Cómo podría no estar eufórico de ser parte de esto?.

Después de los Juegos Olímpicos, podrías haber sacado prácticamente cualquier grabación y recibir mucha exposición por ella. ¿Qué te hizo querer que el próximo álbum fuera Tubular Beats?

Eso se inició años antes. No lo apagué por los Juegos Olímpicos. Había firmado un nuevo contrato de publicación y uno de los ejecutivos involucrados me puso en contacto con un DJ llamado Torsten Stenzel que vive a unas pocas islas de donde yo estoy en Antigua. Él dijo: “Torsten está de tu lado del charco. Deberías reunirte. Entonces, Torsten vino y fue su idea hacer un proyecto de remezclas. Pensé: "Bueno, porque estaba haciendo remixes 5.1 de mis álbumes antiguos, tengo las pistas múltiples aquí". Las cintas Ampex originales habían sido extraídas de estas antiguas bibliotecas. Algunos de ellos tuvieron que ser cocidos en un horno porque tenían más de 40 años y estaban en tan mal estado. A partir de ahí, transferimos la música a digital.

Torsten y yo trabajamos juntos en Tubular Beats a través de Internet. No teníamos que estar en el mismo estudio. Usamos algunas muestras de los álbumes originales y pensé que era un proyecto genial. Me encanta la tecnología y el software. Puedes hacer cosas asombrosas en estos días. Simplemente mantenga presionada una tecla y se producirán sonidos increíbles. Debe haber ejércitos de personas en todo el mundo diseñando los tipos de instrumentos virtuales y complementos que usamos. Torsten me presentó todo tipo de herramientas especializadas en las que confían los DJ y remezcladores. Curiosamente, he trabajado completamente sin ningún software en un nuevo álbum de rock. Pero la forma en que Tubular BeatsLo que pasó es que yo hacía un poco de trabajo y lo devolvía, luego él hacía un poco de trabajo. Al final, él se hizo cargo de la mayor parte del trabajo, porque yo estaba trabajando en escribir material nuevo y terminar los remixes del catálogo anterior. Entonces, es más el álbum de Torsten. Se terminó mucho antes de los Juegos Olímpicos. No tenía nada que ver con capitalizarlo.

¿Qué tan importante es para ti llegar a los oyentes más jóvenes a través de vehículos como Tubular Beats?

Yo no pienso así. Me encanta la música y si alguien quiere hacer una versión de una canción, estoy de acuerdo. Si vas a mi página de Facebook, verás todas las diferentes versiones de mi música que la gente ha hecho. no me importa Algunos de ellos son geniales. Algunos no son tan buenos, pero no me molesta porque no soy precioso. Todavía hago todo esto por amor a la música. Nací con esta habilidad y visión musical. No me siento y analizo las cosas. No pienso mucho en eso. No tengo idea de otros artistas o géneros de los que hablan los periodistas musicales. no tengo ni idea.

Describa su filosofía para revisar y remezclar su catálogo anterior

Oh, no tengo una filosofía. Es divertido. [Risas] Ahora estoy semi-retirado. ¿Qué tengo que hacer? La discográfica quería relanzar mi catálogo, no todo a la vez, sino unos cuantos al año. Es una forma encantadora de volver a visitar mi antiguo trabajo. Tengo nuevas ideas musicales, pero no tengo nada parecido al impulso para trabajar como solía hacerlo. Probablemente trabajo un par de horas al día ahora, mientras que hace 30 años trabajaba 15 horas al día. estaba obsesionado En cuanto a hoy, es simplemente atractivo trabajar en la música. Me mantiene ocupado, me gusta hacerlo.

Trabajar en los remixes es fascinante. Cuando escuché las multipistas, fue casi como si hubiera sido ayer cuando estaba haciendo los álbumes. Recuerdo cada segundo de todos ellos. Cuando volví a visitar Five Miles Out, olvidé cuántas versiones de la canción principal hice. Hay cuatro versiones diferentes. No pude hacerlo bien. Pasé más de tres meses en esa pista hasta que finalmente se unió. Acabo de ver la película de Hitchcock sobre la realización de Psycho.No me di cuenta de que la película solo tuvo éxito como resultado de la edición. Cuando la gente vio la primera edición, todos odiaron la película. Pensaron que era un desastre. Es algo similar cuando escucho mi música antigua. Gran parte se reunió después de una gran cantidad de edición cortando y pegando. En ese entonces, literalmente tenías que cortar físicamente la cinta y pegarla con cinta adhesiva. De esa manera, también era como solían trabajar en películas. Siento que Five Miles Out y Crisis marcan lo mejor del punto medio de mi carrera. Mucho después de que me haya ido, seguirán estando aquí y tengo la oportunidad de presentarlos de una nueva manera a la gente.

Ha dicho que se sintió abrumado por la emoción cuando volvió y volvió a escuchar las contribuciones del difunto Pierre Moerlen y Morris Pert en Five Miles Out. Cuéntame qué pasó por tu mente

Es fácil dar las cosas por sentadas y luego esas personas de repente desaparecen del mundo. Verás, cuando trabajo en los remixes, no solo escucho las pistas terminadas. Me estoy acercando al bajo y la caja. Puedo escuchar a Pierre y Morris como si estuvieran en la habitación conmigo. No estoy escuchando parte de una mezcla, estoy escuchando completamente sus contribuciones. Recuerdo las ocasiones. Incluso puedo recordar presionar el botón de grabación y comenzar a tocar con estas personas. Qué maravilloso baterista era Morris Pert. Cada golpe de los tambores o platillos tenía tal intensidad que probablemente no lo aprecié completamente en ese momento. Es solo ahora que realmente puedo apreciarlo.

Kevin Ayers falleció recientemente. ¿Cuáles son sus pensamientos acerca de él como una presencia y personalidad en su vida?

Kevin fue una parte muy importante de mi vida temprana durante mi adolescencia. Me uní a su banda cuando solo tenía 16 años. Fue la primera persona carismática que conocí hasta ese momento. Yo había sido un niño de escuela tratando de salir de la escuela. Solo había tocado en pequeños clubes de folk y colegios. De repente, apareció este tipo alto con un carisma tremendo que acababa de salir de una gira con Jimi Hendrix. Estaba asombrado por Kevin y su actitud ante la vida. Es difícil describir esa actitud. Era una actitud relajada, mediterránea. Le gustaba disfrutar de la vida, tomársela con calma y no tomarse las cosas demasiado en serio. Desafortunadamente, su actitud no era adecuada para tener un éxito tremendo en el negocio de la música, en el que se necesita mucho impulso, astucia y astucia callejera. Si no tienes esas cosas, hay tantas personas que se aprovechan de ti o no escuchan lo que tienes que decir porque no vendiste suficientes álbumes la última vez. Sin embargo, Kevin era un personaje encantador. Fue muy amable y me tomó un poco bajo su ala, no musicalmente, sino en términos de actitud ante la vida.

Otro compañero musical tuyo, Pekka Pohjola, partió hace unos años. ¿Cuáles son algunos de sus recuerdos de su tiempo juntos?

Para ser honesto, todo lo que puedo recordar es nuestro primer encuentro. Estaba en el Manor Studio y me trajo una botella de vodka y este extraño pan negro de Finlandia. Era un hombre muy grande, muy nórdico. Tocaba el bajo asombrosamente bien. Yo no era muy amigable personalmente con él. Era un tipo de persona muy distante. Actuó en la primera gira que hice, la de 80 personas. Hicimos un poco de grabación juntos. Hay algunos buenos temas suyos en los que toqué.

Anteriormente hablaste de sentirte presionado por Virgin en los años 80 para escribir canciones pop, pero el hecho es que lo que pasaba por pop en Five Miles Out y Crises son realmente notables en términos de construcción e ingenio. Claramente, sintió que había algo de valor en el formato

Para mí, todo es solo música. No hay diferencia entre los tipos de música. Incluso puedes escuchar música en cosas que no son música, como el murmullo de las olas y el aullido del viento. Donde vivo ahora, hemos tenido huracanes como Sandy e Irene. Hacen ruidos increíbles y todo es música para mí. No categorizo ​​y no filosofo. Hay vibraciones en el aire que tienen un tremendo efecto sobre ti de una manera muy no verbal. Lo que diré es que tengo muchos problemas para escribir letras. Solía ​​hacer muchas trampas, usando un diccionario de sinónimos y rimas. Me encontré con Tim Rice hace muchos años y le pregunté si hacía esas cosas. Me confió como si fuera un gran secreto y dijo: “Oh, sí, lo creo. Creo que todos usamos esos accesorios”.

Al mirar hacia atrás en esos álbumes, ¿alguna vez te dijiste a ti mismo "Me salí con algunas canciones pop increíblemente expansivas aquí?"

“Five Miles Out” es una pieza musical extraordinaria y construida. Es casi como una pequeña opereta. Elegí una versión adicional para poner en el relanzamiento, para que la gente tenga una idea de todo el trabajo que se necesitó para llegar a la versión final. Además, “Monte Teide” es una cosa hermosa, que hice con Carl Palmer. Subestimé sus habilidades para tocar la batería. Hay muchas tomas descartadas de su forma de tocar la batería que no se usaron en la pista final. Es un excelente músico. He trabajado con algunos de los mejores bateristas del mundo, incluido Robert Wyatt. Solía ​​​​ser el bajista de su batería durante aproximadamente un año y él era increíble. Y, por supuesto, estaba Simon Phillips, el pulpo humano de la batería.

Al escuchar tu catálogo anterior…

¿Mi catálogo anterior? Eso es mucha música. Lo resolví. Son 36 horas de música.

Probablemente me sé cada nota.

[risas]

Me he preguntado si sus álbumes han reflejado de alguna manera los acontecimientos mundiales que se estaban desarrollando durante su realización

No realmente. Mi rutina desde la primera gira con 80 personas en adelante fue regresar directamente al estudio y pensar "¿Qué hago ahora?" Pensaría "Está bien, vamos a intentar algo completamente diferente". Así que volvimos a Nueva York, contratamos algunos músicos de sesión, grabamos Platino y luego hicimos una gira. Volvíamos de la gira y volvíamos al estudio. Decidí trabajar con David Hentschel e hice QE2.Durante 20 años, esa fue mi vida. Era álbum, gira, álbum, gira. Trabajé con cientos de músicos e hice Dios sabe cuántos viajes. Probablemente viajé alrededor de Europa 100 veces. Al final, me sentí como si viviera en el aeropuerto de Frankfurt, porque era el gran centro para llegar a cualquier parte de Europa. Recuerdo visitar Copenhague sin cesar también. Veía las noticias y leía los periódicos. Conocía los acontecimientos mundiales, pero no soy político en absoluto. Yo era un músico que trabajaba y no estaba realmente tan consciente de lo que estaba sucediendo. Estaba al tanto, pero no estaba involucrado emocional o políticamente.

Eres uno de los primeros músicos occidentales en combinar música africana y celta, siendo Ommadawn el primer fruto de ese concepto. Se podría argumentar que eres un pionero de la música mundial sin acreditar. Describa su interés inicial en mezclar culturas del mundo

Empezó cuando estaba en una tienda de discos en algún lugar de Inglaterra. Solían tener tiendas de discos, ya sabes. [Risas] Estoy saliendo conmigo mismo ahora. Todavía tengo grandes recuerdos de mis compras en Tower Records en Los Ángeles, donde viví por un tiempo. Iría mucho allí. Mucho antes de eso, en Reading, un pequeño pueblo en el que crecí, había una tienda de discos que tenía una sección de biblioteca de discos. Te dejaban sacar LP, como solíamos llamarlos, y en la sección había un par de discos de música africana. No tengo idea de lo que eran, pero tenían gente tocando estos oscuros instrumentos hechos de enormes cosas vegetales con cuerdas pegadas a ellos. Me fascinaron las grabaciones, especialmente las voces tribales. También me encantó el sonido de los tambores tribales. Pensé “Me gusta eso. Quiero usar eso en mi pista”. No me propuse hacer nada en particular. Simplemente me gustaban los sonidos. En las demostraciones originales deTubular Bells, usé un juego de campanas de juguete para bebés. Los saqué directamente de la cuna de un bebé. Era algo que hacía un sonido agradable. Incluso usé una aspiradora Hoover en una pista porque me gustó el sonido que escuché cuando la encendí. El sonido del motor de la aspiradora me pareció armónico.

¿Alguna vez pensaste por un momento durante el proceso "No creo que nadie haya hecho esto antes?"

Nunca le di ni el más mínimo pensamiento. Todo son ondas de sonido para mí.

Posiblemente, las ondas de sonido más interesantes que ha creado estaban en Amarok . Nunca te he visto hablar mucho sobre eso. Esencialmente, estaba destinado a ser la secuela de Ommadawn, ¿verdad?

Algo así, sí. Cuando comencé, tenía que comenzar en alguna parte. Hubo una tremenda presión sobre mí por parte de Richard Branson para hacer Tubular Bells II. Recuerdo jugar al squash con el compañero de Richard, Simon Draper. Después del juego, estábamos tomando jugo de naranja y dije: "Estoy pensando en hacer una secuela". Sus oídos se aguzaron y dijo: “¿Qué? ¿Campanas tubulares II?En mi mente, tan pronto como le dije eso, la presión estaba sobre mí para hacerlo. Pero para entonces, mi relación con Virgin se había hundido bastante. No tenían mucho interés en mí. Sacaron mis álbumes, pero estaban mucho más interesados ​​​​en gente como Sex Pistols, luego Boy George, luego Phil Collins. Me pusieron mucho en un segundo plano. Mi contrato también tenía un nivel de regalías estúpido y miserable y no podía cambiarlo. Así que me comprometí a hacer lo que resultaron ser 13 álbumes. En este período, estaba a solo unos pocos álbumes de completar el contrato. No tenía un gerente, así que pensaba en las cosas desde una perspectiva empresarial. Tuve que aprender a hacer eso, porque de lo contrario, todos los aduladores y tiburones me dejarían seco. Todo el mundo trata de conseguir todo lo que puede. Pensé: "Bueno, cuando llegue al final de mi contrato con Virgin,Campanas Tubulares II”. En ese momento, pensé, podría hacer Ommadawn II en su lugar.

Proporcione una idea de cómo se armó el álbum

Comenzó diciendo que volvería a tener bodhrans, y que Clodagh Simonds y Bridget St John, los cantantes de Ommadawn, también estarian. Entonces, decidí que ni siquiera iba a componerla. Iba a ser una completa improvisación. Entonces, entraba al estudio todas las mañanas con el productor Tom Newman y lo primero que me venía a la cabeza era lo primero que grababa. Comenzó con un ritmo de bodhran, luego vino la melodía. Hice que Clodagh la cantara y luego pensé, hagámoslo en una ronda, y creció así. Tuve algunas ideas locas. Iba avanzando, convirtiéndose en esta hermosa cosa celta, y me aburrí un poco. Pensé: "Pongámosle algunas puñaladas escandalosas y discordantes". [Risas] Pensé que eso lo animaría un poco. Entonces pensé que sería bueno tener algunos pasos en un bit. Próximo, Pensé "¿Qué hay de cepillarme los dientes en esta parte?" También me dedicaba a hacer modelos de helicópteros en ese momento y pensé: “Tengo todas estas pequeñas herramientas. Todos emiten sonidos, así que usemos el kit de herramientas del modelador de aire también”. Luego tuve a Jabula, los bateristas originales deEntra Ommadawn . Eran de Sudáfrica y todos eran del ANC antes del fin del apartheid. Entraron en masa al estudio. Luego conseguí un coro de 100 personas involucradas en un gran estudio en Londres. Margaret Thatcher estaba siendo depuesta en ese momento, así que también tuvimos un imitador en el álbum. Fue divertido. Este es el álbum que más ansío mezclar en sonido envolvente 5.1. No hay una demostración para incluir. El álbum es enteramente esa primera toma.

Amarok es mi álbum favorito de todos los tiempos

También es mío. Es muy amable de tu parte decir eso.

Mis amigos músicos siguen maravillados con Amarok. No pueden entender cómo hiciste algo tan complejo antes de Pro Tools o Logic

Y todo fue jugado a mano también. Usé un secuenciador y sampler muy primitivo que fue un precursor de Notator, que se convirtió en Logic. Fue en una computadora primitiva llamada Amiga. Llegaba todas las mañanas y trazaba algo en forma de esqueleto, lo ponía en la multipista y le decía a Tom: “Está bien, vamos a trabajar en eso. Ese es el pequeño boceto. Todo lo que estaba encima de ese boceto fue hecho a mano. No había sintetizadores. Finalmente, tiramos el boceto. Esa fue la técnica de trabajar en ello.

Hay una increíble sección de guitarra acústica al principio de Amarok .eso está en ninguna firma de tiempo. Simplemente se sintió bien tocarlo. Recuerdo una jam session que tuve en Los Ángeles con Stewart Copeland y Jeff Lynne, que estaban tocando esa parte. Fue bastante extraordinario porque no hay compás en ninguna parte. Pero, te digo qué. Una de las formas en que llegué al punto de poder hacer eso fue cuando la banda terminó en Atenas después de una de nuestras muchas, muchas giras. Morris Pert, que tenía un talento rítmico extraordinario, empezó a tocar con algunos de los músicos griegos locales en un mercado. Tampoco jugaron en ningún momento. No había "uno, dos, tres, cuatro". Estábamos jugando con ellos. Tocaba la guitarra acústica o el bouzouki, que puedo tocar un poco, porque es como una gran mandolina. Nos cautivó la falta de estructura. Eran solo notas volando, pero no en un orden aleatorio. Tenía una lógica, pero desafiaba la lógica. Eso es algo que Amarok trató de capturar.

¿Cómo reaccionó Virgin al maestro terminado cuando lo recibieron?

Dijeron "Es Tubular Bells II". Dije “No, no lo es. Tengo que pensar en un título para ello”. Una de las primeras cosas que me vino a la mente fue buscar en el diccionario de inglés celta. Ommadawn era idiota en gaélico. Mi autobiografía se llamaba Changeling. Amarach es "cambio" en gaélico. Para mí, sonaba como "Amarok", así que lo deletreé de esa manera. En la portada, la palabra está tallada a mano en metal por Tom Newman. Obtuvo estos trozos de metal, los cortó y los limó, y creó lo que ves. Virgin estaba indignado porque no lo llamaría Tubular Bells II, pero no lo haría porque no era Tubular Bells II. Era Ommadawn II, en todo caso. Pero Ommadawn II no sonaba bien como título. No sonaba bien. Entonces, se convirtió en Amarok y Virgin se negó a promocionarlo. Tuve que promocionarlo yo mismo. Contraté a mi propio conectador de radio. Realizamos una primera sesión de escucha en mi estudio cerca de Londres. Sacamos todas las sillas. Contraté a un servicio de catering y compré sándwiches y champaña, y solo una persona salió, y ese fue Bob Harris de Radio One. A Bob le encantó. Lo puso en su programa. Pero si lo hubiera llamado Tubular Bells II, el lugar habría estado lleno. Es increíble que no llamarlo así tenga ese efecto. Fue trágico, la verdad, y no vendió casi nada. No creo que esté registrado ni nada. Pero te diré una cosa buena. A menudo recibo gente como tú que dice que es su álbum favorito. Y es mi álbum favorito también. Entonces, ¿qué diablos?. Se ha superado la prueba del tiempo. Si dentro de 100 años es conocido como mi mejor trabajo, no hay problema.

El álbum incluye una famosa sección de código Morse que se decodifica en "Fuck off RB", una referencia a la difícil relación que tenías con Richard Branson en ese momento. ¿Cuál fue la consecuencia de ello?

Bueno, no le dije a nadie durante un año después de que salió. Esperaba con todas las personas inteligentes del mundo que alguien pudiera escucharlo y pensar: “Hay código Morse en él. ¿Qué dice?" Pero nadie lo hizo. Fue mi pequeño gesto de desafío, pero pasó desapercibido. Entonces, pensé que sería mejor contarle a alguien al respecto, de lo contrario, nadie encontrará el mensaje oculto. [Risas]. Si no hubiera abierto la boca, nadie se habría dado cuenta. La gente todavía no puede encontrarlo hasta el día de hoy.

Una vez que abriste la boca, ¿Branson se asustó?

No no. Todo estaba bien. Fue un poco divertido. No fue grosero. Era una forma elegante de expresar mi descontento en ese momento. No fue realmente desagradable. Me llevo bien con Richard ahora.

El siguiente disco tras Amarok fue Heaven's Open, otro lanzamiento único en vuestra discografía. Sigue siendo el primer y único álbum que te presenta completamente como la voz principal. Permanece envuelto en misterio hasta el día de hoy. ¿Qué me puedes decir sobre su elaboración?

Ese fue otro pavo. [Risas] Fui yo quien decidió ser cantante de rock, lo cual no tuvo mucho éxito. Incluso contraté a un muy buen profesor de canto. Pasé seis meses con esta dama extremadamente alta y mandona que me hizo hacer todos estos ejercicios vocales, cantando "eeh, aah, ooh" y todo ese tipo de cosas. Trabajé muy, muy duro en ello. Recibí un buen comentario sobre el álbum. Estaba cerca del lago de Ginebra en Suiza para esquiar y alguien me presentó al piloto de carreras Jacques Villeneuve. Acababa de ganar el título de Fórmula Uno. Me dijo que la canción principal "Heaven's Open" era su canción favorita. Me lo imagino sentado en la parrilla pensando: “Este es ese momento. Te está esperando”, tal como dice la letra. Así que inspiré a un chico joven a ganar la Fórmula Uno. Eso no es malo, ¿verdad? Valió la pena en cierto modo.

¿Cómo miras hacia atrás en el álbum desde una perspectiva musical?

La canción principal es bastante buena, pero tuvimos problemas con ella mientras la hacíamos. Tom Newman, quien lo produjo, era bastante amigo de David Gilmour. Había un pequeño pub en el oeste de Londres donde la gente simplemente aparecía y tocaba. Fui allí y atasqué un par de veces. Una vez, David estaba allí y muy amablemente se ofreció a salir y escuchar la canción y ayudarnos un poco. Hizo algunas sugerencias sutiles y creo que obtuvo el crédito de coproductor en esa pista. He remezclado todo Five Miles Out y Crises, pero cuando llegue el momento de volver a visitar Heaven's Open, creo que solo remezclaré un par de cosas. No tengo ninguna obligación contractual de remezclar todo, así que he estado eligiendo y eligiendo.

Heaven's Open es también el único álbum acreditado a Michael Oldfield, en lugar de Mike Oldfield. ¿Por qué?

¿Por qué no? [Risas] Tenía ganas. Pensé que debido a que estaba cantando, debería ser retratado de manera ligeramente diferente. Tal vez tenía algo de lógica en ese momento.

Otro álbum del que nunca te he visto hablar es el inédito Orchestral Hergest Ridge. ¿Por qué ese álbum permanece guardado después de todo este tiempo?

No me gustaban Orchestral Tubular Bells y Orchestral Hergest Ridge. La razón por la que llegaron a existir está relacionada con las primeras Tubular Bells.actuación en el Queen Elizabeth Hall en 1973. Cuando estaba trabajando en la actuación de los Juegos Olímpicos el año pasado, el hotel en el que me alojaba estaba en el terraplén cerca del Queen Elizabeth Hall. Tomé prestada la bicicleta de alguien todas las mañanas. Subía y bajaba en bicicleta y me paraba frente a la puerta del escenario del Queen Elizabeth Hall. Recordaría cómo hace 40 años, entré allí, temblando como una hoja antes de dar mi primer concierto por mi cuenta. Fue como encontrarme con mi antiguo yo. Después de ese concierto, estaba tan horrorizado con las dificultades de reproducir mis álbumes que no quería salir de gira. No quería hacer nada. No salí de gira hasta 1978, cinco años después. En 1973, Richard Branson dijo: "Si no vas de gira, haré versiones orquestales de estos álbumes y conseguiré que las orquestas los toquen". Ese era su plan. Así que contrató a David Bedford, quien hizo un muy buen trabajo, pero la música nunca tuvo la intención de ser orquestal. Hice un álbum orquestal llamadoMúsica de las Esferas, pero eso fue diseñado para ser así. Entonces, no aprobé los álbumes orquestales. Yo no estaba involucrado. David las hizo completamente solo, aunque yo toqué un poco la guitarra en una parte. Pero por lo demás no tenían nada que ver conmigo, ni un frijol.

Háblame de tu próximo álbum de rock

He hecho lo mejor que puedo. Hice todas estas canciones y traté de cantarlas yo mismo. ¿Pero conoces mi voz en Heaven's Open? Imagina esa voz 20 años después y así es como suena. Apenas se mantiene unido, así que estaba buscando al cantante adecuado. Escuché a mucha gente para encontrar un vocalista realmente bueno que no solo pudiera cantar las canciones, sino también entrar en mis emociones. Lo encontré y pronto oiréis hablar de él. También hemos vuelto a grabar las pistas de acompañamiento en vivo con una banda de rock adecuada usando algunos músicos de sesión realmente buenos. Se hizo de la misma manera que trabajé en Platinum. Las sesiones en vivo son totalmente diferentes a tocar todo tú mismo. Tuve que investigar mucho para encontrar a las personas adecuadas.

Has descrito el álbum como “música directamente desde el corazón”. Describe lo que quieres decir

Muchas de las canciones son bastante miserables, en realidad. Estoy jugando con el título del álbum Man on the Rocks. [risas] Ese es el título de una de las canciones. Hay una canción en el álbum que es realmente genial de la que les hablaré. Vivo en Nassau en el agua y el área donde atraco mis diversos barcos en el puerto es muy hermosa. Entonces, escribí una canción sobre navegar. No es como “Sailing” de Rod Stewart. Es más una ironía, sacudirse las ataduras del mundo moderno y salir a la canción del océano. Es bastante divertido. Es un poco Piratas del Caribe. Puedo ver a Johnny Depp en la proa del barco cantándola en el barco pirata. Es una canción feliz. Pero el resto del álbum es bastante miserable, pero muy poderoso. Me encantaba tocar la guitarra en el álbum. De alguna manera, el sonido de mi guitarra ha mejorado. ¿Conoces la guitarra al final de “Ommadawn Part One”, la verdadera parte de los gritos?. Bueno, ahora tengo esta caja llamada Eleven de Avid y solo presionas un botón y te hace sonar exactamente como esa Gibson SG pasando por un Fender Twin Reverb con los altavoces correctos. Eso es divertido. Trabajé con Steve Lipson en el álbum, quien trabajó con Trevor Horn. Me encanta trabajar con Trevor y también me llevo bien con Steve.

Háblame de tu relación con la guitarra, tu fiel compañera musical a lo largo de tu carrera

Es como parte de mi cuerpo. Es como una extremidad extra. No tengo que pensar en eso. Solo lo tomo y lo juego. Es porque aprendí a jugar cuando era muy joven. Obtuve toda mi técnica incluso antes de ser un adolescente, alrededor de los 10 u 11 años, así que no tengo que resolver nada. La guitarra es como una voz. Es tan natural como hablar. El sonido es muy importante para mí. Algunas guitarras son buenas, otras no. Tienes que conseguir uno de la suerte y tener cuidado de no perderlo. Las guitarras también envejecen. A veces son geniales durante algunos años y gradualmente se vuelven no tan buenos y ya no quieres jugarlos. Tengo una Fender Telecaster muy aburrida en este momento. No se ve especial en absoluto, pero es bueno jugarlo por el momento. PRS England se puso en contacto conmigo recientemente porque me vieron jugando un PRS en los Juegos Olímpicos.

Tienes uno de los tonos de guitarra más inmediatamente reconocibles de la historia. No lo he escuchado reproducido por nadie más. ¿Cómo logras tu sonido?

Viene de la forma en que aprendí a tocar la guitarra eléctrica, que es tocando con los dedos la guitarra acústica. Es un sonido muy puro, porque juego con las uñas. Cualquier cuerda que no suene es humedecida por mis otros dedos. La mayoría de los guitarristas que tocan con una púa dejan que las otras cuerdas suenen un poco, estropeando la pureza del sonido. Ese es el secreto. Además, uso el vibrato de un violinista, en lugar del vibrato de un guitarrista de rock. Mi vibrato es de lado a lado, mientras que el típico guitarrista de rock sube y baja. Mi sonido es una mezcla de todo eso y el estilo muy celta que uso, con muchas notas de gracia como en la gaita. Puse mucho poder y emoción en cada nota. Puedo tocar una o tres notas con tanta pasión, convicción y autoridad. No tengo que impresionar jugando muy rápido. Puedo tocar algo muy simple, también. También uso la electrónica para conseguir el sonido adecuado. Solía ​​tener todo tipo de cajas raras y raras para ayudarme a lograr mi sonido. En un momento, incluso compré el escritorio Manor muy original. Tomé dos módulos y los usé como parte de mi plataforma de guitarra. Pero ahora, puedo tener todo en una caja simple como Eleven de Avid y enchufarlo y listo.

¿Compones en la guitarra?

No en realidad no. Nunca escribí música con la guitarra. Tubular Bells fue escrito principalmente en el piano vertical de mi abuela, una verdadera cosa de honky tonk o en una guitarra eléctrica. Había un poco de guitarra involucrada, supongo. Mayormente, mi música está escrita sin un instrumento. Ni siquiera está escrito. Una idea llega a mi cabeza y la escucho. Me hace sentir más como un mensajero que como un artista. Recibo ideas en algún lugar profundo de mi subconsciente. Se concibe allí y se convierte en un embrión y sale de mi conciencia. No sé qué es lo que está pasando. Las veces que trato de sentarme y componer son las peores. no puedo hacer eso A veces espero meses o incluso años por una buena idea.

¿Cómo capturas esas ideas cuando surgen?

Si no estoy en mi estudio, tengo que escribirlas. Soy uno de esos fumadores terribles, pecadores, repugnantes y horribles. Hago mis propios cigarrillos. Tengo estos papeles de liar y hay un pequeño espacio en la parte superior que es lo suficientemente grande como para escribir un pequeño pentagrama, algunas notas de música. Si incluso escribo cinco o seis notas por debajo de la idea, entonces siempre lo recuerdo. Pero si no lo escribo después de una hora más o menos, se habrá ido para siempre. Hubo un tiempo en que tenía un tarro de café grande lleno de pedacitos de papel Rizla con todas las ideas diferentes que tenía. Cuando llegaba la hora del álbum, vaciaba el frasco y los escuchaba a todos. Son ideas musicales muy preciosas. Recuerdo que de ese proceso salió “Monte Teide”. El Teide es una montaña de las Islas Canarias a la que subí hasta la cima.

¿Hay un elemento espiritual en la llegada de ideas musicales para ti?

Creo que hay Podríamos hablar durante horas de eso, pero prefiero no intentar analizarlo, sino aceptarlo. Es una bendición, de verdad. Quién sabe de dónde vienen las ideas. La escala musical es tan simple. Solo hay 13 notas y tantas combinaciones de ellas, pero algo más acompaña al componente melódico y eso es casi un componente espiritual. Puedes tener las mismas notas en una pieza y en otra, pero serán piezas musicales totalmente diferentes según el componente espiritual que rodee a esas notas. Estamos entrando en un área muy teórica aquí, en la que tiendo a no pensar. Solo tengo suerte.

Solía ​​teorizar y leer mucho. Hace unos años, aprendí meditación trascendental, o MT como se le llama. Vivo junto al agua y tengo un pequeño muelle aquí, un bote y también un Jet Ski. Si hace buen día y el mar no está demasiado tranquilo, cojo la moto de agua por mi cuenta y voy a una de las pequeñas islas alrededor de Nassau y me dejo caer allí y nado en la playa. Me sentaré allí durante tal vez una hora y haré un poco de meditación. Cuando estás en ese estado profundo de meditación, no necesitas respuestas. Estás ahí. Se siente como si las palabras fueran solo ruidos de balbuceo y una forma muy primitiva de comunicarse. Eso es todo lo que puedo decir al respecto, de verdad. Ya no necesito teorizar.

Has explorado prácticamente todos los géneros musicales imaginables en tu música. ¿Hay algún otro elemento que quieras incorporar en el futuro?

Cuando estás en un estado meditativo profundo, no hay nada allí. Es silencio total. Pero de alguna manera extraña, existe la música más musical imaginable, que no es música. Sin embargo, sigue siendo música. Estoy pensando en la última evolución humana, que fue idea de Arthur C. Clarke. Hice un álbum basado en su libro sobre el concepto de 2001 en el que reemplazamos gradualmente todas nuestras partes físicas hasta que somos totalmente mecánicos. Y luego, en algún momento, llega un punto en el que nos damos cuenta de que ni siquiera necesitamos lo artificial. En otras palabras, podemos existir sin nada físico. En cierto modo, digo que la música es como un portador de algo. Tal vez algún día ni siquiera necesitemos ondas sonoras. John Lennon una vez grabó una pista muda. Tal vez mi próximo álbum sea Silencio. No sé cómo se sentirá mi compañía discográfica al respecto. [risas]

¿Ha considerado alguna vez que el dinero que generó para Virgin en sus inicios eventualmente llevó a Richard Branson a lanzar Virgin Galactic? En cierto modo, tu música está relacionada con la aparición del turismo espacial comercial.

Una vez se me ocurrió que el único propósito de mi música era lanzar a Richard. Pero espera, pensé que no era muy justo conmigo mismo. [Risas] Es parte de un gran plan. Richard es una persona extraordinaria. Comenzó con la idea de los vuelos espaciales comerciales, de verdad. Aunque puede que no sea el último. Se habla de poner una pareja en órbita alrededor de Marte en un par de años. También está Elon Musk y sus cohetes. Richard trajo la idea del vuelo espacial comercial a la conciencia pública. ¿Será el más exitoso?. Sé que Richard lo dará todo, pero puede haber otras personas que también lo hagan. Las personas con suficiente dinero subirán allí, pero Richard lo hará más asequible. Todavía son $200,000 para hacerlo. No es como si todos pudieran hacerlo. Quizás en 20 años será más asequible para muchas personas. Tenemos que salir por ahí. Tenemos que ir a las estrellas.

¿Cómo se sintió al hacer una entrevista en la que el entrevistador no mencionó a Tubular Bells?

[Risas] Dios mío, sí. Es cierto. Increíble. Esa es la primera vez que sucede. Normalmente, la primera pregunta es "¿Por qué escribiste Tubular Bells?" Fue entonces cuando me arrastré debajo de mi escritorio, porque no había una razón específica por la que lo escribí. ¿Pero mira? Hicimos una excelente entrevista sin que mencionaras a Tubular Bells. Es posible.